Le kaki porte en lui une histoire singulière où botanique, poésie et spiritualité se rejoignent. Son nom grec, Diospyros, signifie littéralement « fruit de Zeus » — une expression plus communément traduite par « fruit des dieux ». Cette appellation ancienne témoigne de l’émerveillement suscité par ce fruit lumineux, à la chair douce et à la couleur flamboyante, perçu comme un présent du ciel.

Au Japon, le kaki constitue une présence familière dans les paysages ruraux, suspendu comme une cloche aux branches dénudées à l’approche de l’hiver, brillant comme une lanterne naturelle. Depuis des siècles, il inspire les regards qui s’y attardent et y voient le symbole de la maturité, du passage du temps et de la beauté éphémère des saisons. Le kaki incarne ainsi l’automne dans toute sa profondeur : une saison vécue en harmonie quotidienne avec la nature.

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Quand l’ukiyo-e 浮世絵 prend vie

Les Cinquante-trois stations du Tôkaidô 東海道五十三次 (Tôkaidô gojûsan-tsugi), chef-d’œuvre d’Utagawa Hiroshige 歌川広重 (1797–1858), déploient en 55 estampes le long ruban de la route du Tôkaidô, la « route de la mer de l’Est ». Longue d’environ 500 kilomètres, ouverte sur l’océan Pacifique, cette voie ancienne reliait Edo, capitale shogunale et centre du pouvoir politique, à Kyôto, capitale impériale.
Aux 53 estampes consacrées aux stations officielles s’ajoutent deux vues fondatrices, seuil et aboutissement du voyage : Nihonbashi 日本橋 à Edo, point de départ symbolique, et Sanjô Ôhashi 三条大橋 à Kyôto, point d’arrivée.
Autrefois, ce voyage s’accomplissait en 13 à 17 jours de marche, chaque pas mêlant effort et contemplation ; aujourd’hui, le même parcours s’égrène en 2h15 en shinkansen ou 1h18 en avion.
Du premier pas à l’ultime étape, Hiroshige fait surgir un Japon de brume, de pluie et de lumière. Une route à parcourir autant du regard que de l’esprit, comme un chemin silencieux qui ouvre l’année nouvelle.

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À l’ouest de Nagoya 名古屋市, dans la ville de Kuwana 桑名市, au cœur de la préfecture de Mié 三重県, s’étendent les célèbres jardins de Nabana no Sato なばなの里. Paisible le jour, le parc se transforme la nuit en l’un des spectacles d’illuminations les plus grandioses du Japon. Chaque hiver, des visiteurs venus de tout l’archipel et du monde entier viennent admirer ce voyage lumineux, placé cette année sous le thème de Zipangu, le Japon mythique des récits anciens.

Un royaume de lumière et de rêves

Sous le ciel d’hiver, lorsque la nuit tombe tôt, un monde féerique de lumière s’éveille sur la terre de Mié. Dans les jardins enchantés de Nabana no Sato, des millions d’étoiles artificielles murmurent des histoires de légende. Des arcs lumineux se déploient comme des pétales infinis, tandis que le grand tunnel de lumière ouvre un passage hors du temps, guidant les pas vers l’invisible, dans un lent rêve éveillé.

Les illuminations du mont Fuji

Ici, la lumière danse avec le vent froid, tisse des rivières scintillantes et enveloppe le jardin d’une musique silencieuse. Au cœur de cette féerie se dresse la silhouette familière du mont Fuji, recréée en fresque lumineuse monumentale. Montagne sacrée et éternelle, elle incarne l’âme du Japon, entre nature, spiritualité et imaginaire.
Dans le cadre du thème de Zipangu, le mont Fuji relie tradition et rêve, passé légendaire et présent lumineux.

Entre légende, culture et contemplation

Le spectacle 2025-2026, l’un des plus vastes du Japon, déploie ses merveilles de mi-octobre à fin mai. Des paysages inspirés du temps de Zipangu prennent forme sous la lumière, des fontaines scintillent au rythme de l’eau, et les tableaux lumineux racontent, sans mots, les contes anciens d’un Japon réinventé, offrant un voyage contemplatif et sensoriel unique.

Un passage poétique vers 2026

Dans ce royaume lumineux, le passage vers la nouvelle année devient poétique. Les lampes murmurent des vœux, les reflets recueillent les souvenirs, et Nabana no Sato trace, par sa féérie lumineuse, un chemin délicat vers l’espérance et la magie de 2026.

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TABLEAU EN TISSUS

Titre     雷 RAI  TONNERRE

Réalisation       1994

Dimensions  H 247 cm       L  89 cm

Création     Miyuki HARA LAMY

Techniques       Reliefs molletonnés Broderie main

Une ceinture de kimono, héritage des ancêtres de l’auteur, a été transformée afin de perpétuer la mémoire à travers la réalisation de ce tableau en tissus.

Les broderies ajoutées sur la ceinture du kimono représentent deux phénix entourés de nuages orageux traversés par le tonnerre.

Les motifs de la ceinture du kimono avaient été autrefois soigneusement peints à la main.

鳳凰     hôô      phénix

雷雲     raiun   nuage orageux du tonnerre

Photos vidéo montage   2024

Pour de plus amples détails et informations :

https://association-toki.com/france-japon-une-histoire-dart/

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Les Student Academy Awards sont un concours international des Arts et des Sciences du cinéma, destiné chaque année aux étudiants cinéastes du monde entier. Véritable plateforme de visibilité internationale pour les réalisateurs émergents, ce concours a été créé en 1972 par l’Academy of Motion Picture Arts and Sciences (AMPAS) qui gère les cérémonies des Oscars, ou Academy Awards.

Les récompenses des Student Academy Awards (médailles d’or, d’argent et de bronze) sont décernées dans quatre catégories de prix :

– Alternative/Expérimental

– Animation

– Documentaire

– Narratif.

Traditionnellement tenu à l’Academy’s Samuel Goldwyn Theater à Beverly Hills aux Etats-Unis depuis sa création, le 51st Student Academy Awards a eu lieu cette année à l’ODEON Luxe Leicester Square à Londres au Royaume-Uni, en partenariat avec les montres suisses Rolex.

Les heureux élus sont destinés à venir grossir les rangs des précédents lauréats des Student Academy Awards, parmi lesquels notamment Robert Zemeckis réalisateur, entre autres, de la trilogie « Retour vers le futur » ou du film « Forrest Gump » pour lequel il reçut l’oscar du meilleur réalisateur.

Les honneurs du 7ème art à l’origami

C’est dans la catégorie « Animation » de l’édition 2024 que l’art japonais de l’origami 折り紙 a été primé, parmi 5 lauréats :

OR  : « Au Revoir Mon Monde » de Florian Maurice, Maxime Foltzer & Estelle Bonnardel, École de cinéma d’animation 3D basée à Arles, France

ARGENT : « Origami » de Kei Kanamori, Digital Hollywood University, Tokyo, Japon

BRONZE : « Student Accomplice » de Spencer Baird, Brigham Young University, Utah, États-Unis

Un diplômé d’une école de cinéma japonaise remporte l’argent aux Student Academy Awards

L’œuvre primée, au titre « Origami », est un court-métrage d’animation en CGI (computer-generated imagery) d’environ 3 minutes, créé par Kei Kanamori 金森慧, 22 ans, dans le cadre de son projet de fin d’études à la Digital Hollywood University de Tokyo デジタルハリウッド大学, Japon. Avec sa seconde place, le court-métrage obtient le « silver award » de la catégorie « animation ».

L’origami (en japonais, oru 折る pour plier et kami 紙 pour papier) est l’art du pliage de papier, un art au cœur de l’héritage culturel traditionnel japonais.

Dans son court-métrage, Kei Kanamori montre, avec beaucoup de poésie, des feuilles de papier carrées s’animer et se plier d’elles-mêmes pour se transformer en diverses créatures semblant jaillir de terre. Papillons, grenouilles, colombes, grues, fleurs diverses aux formes et couleurs multiples s’animent et volent au vent sous la danse d’un éventail conduit par un personnage imaginaire, aux allures de chef d’orchestre, l’ensemble s’immobilisant sous l’apparition d’un cerisier en fleurs. Le court-métrage explore les possibilités infinies de l’origami pour donner vie dans l’émerveillement à de simples feuilles de papier. Chaque aspect du film est basé sur les compétences et les techniques utilisées jusqu’aux frontières de l’art de l’origami.

Le lauréat s’est déclaré très heureux que son travail, centré sur la pratique culturelle japonaise de l’origami, qu’il pratique depuis sa première année de l’école primaire, ait été internationalement reconnu par l’Académie. Il a exprimé l’espoir que ce résultat encourage les étudiants qui travaillent dur à persévérer dans leurs propres créations.

De son côté, la Digital Hollywood University de Tokyo a précisé que Kei Kanamori était le premier diplômé d’une école de cinéma japonaise à remporter un tel prix.

Comme pour les autres lauréats récompensés, « Origami » sera éligible pour concourir aux 97^e Oscars®, prévus le 02 mars 2025 à Los Angeles, aux États-Unis, dans les catégories « Court Métrage Animé », « Court Métrage Action en Direct » ou « Court Métrage Documentaire ».

Par le passé, les anciens lauréats des Student Academy Awards ont reçu 67 nominations aux Oscars et ont remporté ou partagé 15 prix.

Sources : NHK, Digital Hollywood University de Tokyo デジタルハリウッド大学 Japon, press.oscar.org

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La céramique japonaise, en même temps que les techniques traditionnelles de laquage japonais, remonte à l’époque Jômon 縄文時代, qui couvre la période allant approximativement de 13 000 à 400 avant notre ère.

Sa production se fait sans discontinuer à travers les âges et prend une tournure particulière avec l’émergence de l’art du thé au XVe siècle.

A cette époque, les chawan 茶碗, ou bols à thé, utilisés pour la préparation et la dégustation du thé, prennent une importance grandissante, notamment avec le développement du mouvement culturel Higashiyama bunka 東山文化 « la culture des montagnes de l’Est » en référence aux collines de l’Est de la ville de Kyôto 京都市.

Kyôto est alors la capitale du Japon et c’est sur ces collines que se trouve érigée la résidence de ASHIKAGA Yoshimasa 足利 義政 (1435-1490), huitième shôgun de l’ère Muromachi 室町時代 (1336–1573).

Cette résidence, dite « des collines de l’Est », construite en 1482 pour servir de paisible endroit de retraite au shôgun, deviendra par la suite le « Pavillon d’argent Ginkaku-ji 銀閣寺 » par contraste avec le « Pavillon d’or Kinkakuji 金閣寺 » et bien que jamais recouverte de la fine couche d’argent prévue à l’origine.

C’est de cette résidence que ASHIKAGA Yoshimasa va insuffler un vent nouveau à la culture traditionnelle du pays, privilégiant un style subjectif et abstrait dans le dépouillement et la sobriété : la cérémonie du thé, cha no yu 茶の湯 (également connue sous la dénomination de voie du thé, sadô), la voie des fleurs 華道 kadô, le théâtre nô 能, le sumi-e 墨絵, ou peinture à l’encre noire, se développent en lien avec le mouvement culturel Higashiyama bunka, sous l’influence du bouddhisme zen dans une autre ouverture vers le spirituel.

Une révolution esthétique s’opère ainsi avec l’émergence de nouvelles valeurs et la montée du concept japonais du wabi-sabi 侘寂.

Origine du kintsugi 金継ぎ

Dans ce contexte, les ustensiles en céramiques utilisées lors du cha no yu sont devenus des objets précieux que toutes les classes de la société ne peuvent s’offrir.

Parmi ses porcelaines, le shôgun ASHIKAGA Yoshimasa dispose d’un bol de céladon, offert 200 ans plus tôt par un prêtre zen busshô 佛性 à TAIRA no Shigemori 平重盛 (1138-1179), un guerrier du clan TAIRA de la fin de l’ère Heian (794–1185).

La porcelaine de céladon est un type de céramique de couleur bleu-vert très pâle originaire de la ville de Longquan, dans la province chinoise de Zhejian, fabriqué selon une technique de cuisson traditionnelle lui conférant un glaçage particulier très recherché.

Cette technique de cuisson traditionnelle du céladon, dite Longquan, est inscrite en 2009 sur la Liste représentative du Patrimoine Culturel Immatériel de l’Humanité de l’UNESCO.

Selon le « Bakôhansaouki 馬蝗絆茶甌記 », ouvrage écrit en 1727 par ITÔ Tôgai 伊藤東涯 (1670-1736), un érudit confucianiste de l’ère Edo 江戸時代 (1603-1868), le bol offert à TAIRA no Shigemori a été fabriqué en 1175 dans un four de Longquan pendant l’ère des SONG du Sud 南宋朝 (1127-1279).

Deux cents ans plus tard, le bol devient la propriété du shôgun ASHIKAGA Yoshimasa et, pendant son utilisation, Yoshimasa constate une fissure au fond du bol.

Il décide de l’envoyer en Chine pour être échangé contre un autre bol de la même qualité, mais les porcelaines de céladon de ce niveau d’excellence n’étaient plus disponibles dans la Chine de la dynastie Ming de l’époque. Le bol fut donc renvoyé au shogun avec les parties fissurées maintenues ensemble au moyen d’épaisses agrafes métalliques, selon la technique du kasugaidome 鎹止 (fixation au moyen de clous à double pointes ou agrafes).

L’agrafe métallique utilisée donnant à l’ensemble l’aspect d’une sauterelle atterrissant sur le dos d’un cheval, selon la tradition culturelle japonaise du mitate no bunka 見立の文化, il fût attribué au bol le nom de « bakôhan » 馬蝗絆 ばこうはん, (littéralement : lien 絆 – sauterelle 蝗 – cheval 馬).

^{Le bol est de nos jours exposé au Muséum national de Tokyo 東京国立博物館 en tant que bien culturel important 重要文化財.}

Dans la culture japonaise traditionnelle, le mitate no bunka 見立の文化 consiste à nommer un élément en fonction de son apparence visuelle et du sentiment qu’il inspire, en communion avec le fûryû 風流 ou « flux du vent », concept englobant le sens d’élégance et de raffinement. C’est par cet esprit de l’esthétique japonaise qu’il fût attribué au bol le nom de « bakôhan » 馬蝗絆 ばこうはん.

A la réception du bol de céladon assorti de ses agrafes, Yoshimasa réunit ses artisans et les charge de trouver une technique de réparation plus esthétique, emprunte à la fois de simplicité, élégance et sensibilité.

Ces derniers vont alors se baser sur les techniques de la laque urushi, déjà utilisée au Japon pour servir de colle depuis l’époque Jômon, en les combinant aux techniques du maki-e 蒔絵 consistant à parsemer la surface laquée de poudre d’or ou d’argent.

Les morceaux cassés sont collés avec la laque urushi et les fissures apparentes recouvertes de poudre d’or : c’est la naissance du kintsukuroi 金繕い réparation en or appelé aussi kintsugi 金継ぎ jointure en or.

Kintsugi 金継ぎ et résilience

Au fil des siècles, le kintsugi va se développer jusqu’à devenir une référence dans la réparation de céramiques.

La pâte, fabriquée à partir de laque urushi, est appliquée délicatement sur les bords des morceaux à joindre. L’ensemble est séché, poncé des deux côtés, intérieur et extérieur, à plusieurs reprises jusqu’à obtention d’une surface parfaitement lisse. Une nouvelle couche de laque est appliquée sur les fissures qui sont ensuite saupoudrées d’or ou d’argent (il s’agit alors de gintsugi 銀継ぎ, jointure d’argent). A la fin, l’ensemble est de nouveau méticuleusement poli avec beaucoup de délicatesse et de patience.

Chaque élément demande des semaines, voire des mois de concentration pour parfaire la réparation. L’objet cassé n’est plus destiné à être jeté. Il est pris en considération dans son histoire et continuera à être utilisé pour une nouvelle vie.

Avec les fissures laissées volontairement apparentes, le kintsugi sublime l’objet en mettant en valeur ses imperfections.

Ce processus long et minutieux finit par être assimilé par beaucoup à la « réparation » des blessures de la vie courante et des cicatrices parfois profondes générées chez l’individu au fil du temps : en réparant un objet cassé, on se répare soi-même…

Comment j’ai vécu… Comment je vis…

La philosophie du kintsugi se dévoile et se développe, basée sur l’esthétique japonaise du wabi-sabi 侘寂 qui se reflète dans l’univers de la cérémonie du thé.

Le wabi 侘 réside dans la beauté des choses simples et naturelles et le sabi 寂 dans la beauté sobre et paisible qui émane de l’intérieur des objets vieillis.

Avec la simplicité et la sobriété, cette esthétique célèbre la beauté de l’imperfection et de l’impermanence.

En reconstituant un objet cassé, en réparant ses fissures et en les sublimant, avec délicatesse, patience et concentration, le kintsugi apprend, au fil de la reconstitution de l’objet, à surmonter ses propres blessures, apparentes ou cachées, et à accepter ses propres défauts. Il devient une métaphore de la résilience qui va aider l’individu à élever son âme par-delà les épreuves de la vie et à avancer sur le chemin de la renaissance.

Les flux du kintsugi 金継ぎ

Au XXIe siècle, l’engouement du grand public pour les traditions ancestrales et les techniques artisanales traditionnelles japonaises, le souci grandissant de la protection de l’environnement et des biens dans l’optique de privilégier la durabilité à la surconsommation, ont accru l’attrait des populations pour le kintsugi et sa philosophie.

La publication de guides pour débutants en kintsugi ainsi que la multiplication d’ateliers d’initiation et de kits de réparation en vente sur internet ont largement contribué à son développement.

L’« esprit kintsugi », assimilé à une thérapie, s’est étendu au monde médical du bien-être mental et du développement personnel.

Fort du succès rencontré, aussi bien en France qu’à l’étranger, le monde des affaires s’est emparé du phénomène en transposant la philosophie du kintsugi au domaine de l’entrepreneuriat pour proposer aux entreprises de tous secteurs de les aider à identifier leurs besoins, à diversifier leurs stratégies managériales et commerciales ou à résoudre les problèmes rencontrés en leur assurant des solutions à impact commercial, sociétal ou humain par le truchement du kintsugi.

Ce faisant, kintsugi devient également l’art de résoudre les problèmes dans le monde des affaires.

Issu d’une simple méthode de réparation de porcelaine créée il y a plus de 500 ans, le kintsugi, art ou philosophie, connaît un développement fulgurant dans de nombreux pays. Sa popularité sans cesse grandissante et la multiplication des domaines qui peuvent lui être rattachés font que l’or du kintsugi n’a pas fini de couler.

Sources : Tokyo National Museum, Wikipedia,

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Le 1er janvier 2024, à 16 heures 10, un puissant séisme de magnitude 7,6 frappe la péninsule de Noto 能登半島 (Noto hantô) qui s’avance dans la mer du Japon, sur la côte ouest de l’île principale Honshu 本州, au centre de l’archipel.

Un mois plus tard, le bilan s’élève à 238 morts, 19 disparus et plus de 1 287 blessés avec environ 19 000 bâtiments endommagés dont plusieurs centaines complètement détruits, provoquant une catastrophe régionale majeure.

La ville de Wajima 輪島市, préfecture d’Ishikawa 石川県, célèbre pour son industrie traditionnelle de la laque dont les origines remontent à la période Muromachi 室町時代 (1333–1573), est parmi les plus touchées. Les ateliers et magasins de laque répartis dans divers endroits de la ville ont subi des dommages importants. Au musée d’art de la laque Wajima de la préfecture d’Ishikawa, une partie du bâtiment a été détruite.

Pour autant, le grand globe en laque d’environ 1 mètre de diamètre qui y était exposé est resté indemne.

« Earth at Night », le grand globe terrestre en laque de Wajima

La laque Wajima-nuri 輪島塗, célèbre pour la finesse des décorations de ses shikki 漆器 (objet enduit de laque), a une caractéristique particulière : son revêtement de base extrêmement résistant est obtenu par l’application de plusieurs couches de laque mélangée à de la terre de diatomée en poudre (ji-no-ko 地の粉) que l’on ne trouve qu’à Wajima.

C’est la seule laque du pays a avoir été désignée comme bien culturel immatériel important par le gouvernement japonais, en 1977.

L’Association pour la Préservation des Techniques de la Laque de Wajima, reconnue d’utilité publique la même année 1977, s’est jointe à la création, par 37 de ses experts issus de huit univers artisanaux différents, d’une œuvre unique entamée en 2016 et achevée en 2022. L’objectif étant de diffuser, par cette réalisation, l’essence de la laque de Wajima à travers ses méthodes traditionnelles locales les plus pures.

Cette œuvre exceptionnelle, baptisée « Earth at Night » (La Terre de Nuit) est une représentation nocturne du globe terrestre flottant dans l’espace, illuminé par les lumières des villes. Le noir profond de la nuit est reproduit avec les techniques de la laque de Wajima et les lumières des villes illuminant le globe par l’alliance de techniques spécifiques de fixation de paillettes dorées. Quatre panneaux en laque représentant les impressions nocturnes de quatre des plus grandes villes du monde accompagnent le globe.

« Malgré les circonstances difficiles, j’ai été vraiment heureux d’apprendre que cette œuvre, représentative des techniques de la laque de Wajima, est restée indemne. Je voudrais que cela devienne un symbole de reconstruction », a déclaré le directeur du musée et président de l’association, M. Kunihiro KOMORI 小森邦博.

Origine de la laque, urushi

– Urushi 漆, la laque en japonais, est une substance résineuse issue de la sève de divers arbustes de la famille des Anacardiacées, dont l’arbre à laque ou vernis du Japon (Toxicodendron vernicifluum).

– Shikki 漆器 , le laque en japonais, mot employé au masculin, désigne l’objet enduit de laque, principalement les services de table japonais, etc.

– Urushi-nuri 漆塗り désigne à la fois l’étape consistant à recouvrir un objet de laque urushi, mais également l’objet lui-même une fois recouvert de laque.

Emblème de la culture asiatique, l’histoire des objets en laque remonte à l’Antiquité. En Chine, leurs premières découvertes datent de plus de 7 000 ans. Au Japon, des tissus enduits de laque datant de 9 000 ans ont été découverts en 2001 sur le site préhistorique Jômon de Kakinoshima 垣ノ島, sur l’île d’Hokkaidô 北海道, faisant remonter l’origine de la laque dans ce pays à la naissance de la période Jômon 縄文時代 (environ 13 000 à 400 avant J.-C.).

En 2011, un morceau de bois de sumac, ou arbre à laque, datant d’environ 12 600 ans, est découvert dans la préfecture de Fukui 福井県 et devient le morceau de bois le plus ancien du monde.

Ces éléments tendent à penser que la technologie du laquage a été inventée par les Jômon, rendant fort probable le fait que la pratique de la laque soit née au Japon et se soit développée plus vite que dans les autres pays d’Asie, par transmission de maître à disciple et de père en fils.

Le 27 juillet 2021, 17 Sites préhistoriques Jômon dans le nord du Japon, dont le site de Kakinoshima, sont reconnus d’une valeur exceptionnelle et inscrits sur la Liste du Patrimoine Culturel Mondial de l’UNESCO.

Evolution des laques au fil des siècles

La laque urushi est recueillie par gemmage après avoir procédé à une incision sur l’écorce de l’arbre d’où elle s’écoule pour être récoltée dans un petit récipient parfois noué autour du tronc. Toxique à l’état brut, sa toxicité disparaît en se solidifiant.

Le procédé de récolte de la sève des arbres à laque et la peinture à la laque de structures traditionnelles font partie des dix-sept « savoir-faire, techniques et connaissances traditionnels liés à la conservation et à la transmission de l’architecture en bois au Japon » qui ont été ajoutés à la liste représentative du patrimoine culturel immatériel de l’humanité de l’Unesco, en décembre 2020.

Utilisée au départ pour servir de colle ou de peinture afin de protéger et renforcer des objets en bois, la laque est devenue au fil des siècles une véritable révolution technologique. Son application en plusieurs couches imperméabilise les objets et les préserve des parasites. Son durcissement, une fois sec, protège de la chaleur et des bactéries, améliorant le niveau d’hygiène de la population par une meilleure conservation des aliments.

Ce savoir-faire a été préservé depuis les temps anciens avec notamment la laque de Jôbôji 浄法寺, Jôbôji-nuri, de la préfecture d’Iwate 岩手県. La laque de Jôbôji compte pour 70 % dans la production nationale de laque. En raison de sa haute qualité, elle a été utilisée dans les travaux de restauration du pavillon doré, le Konjikidô 金色堂 du temple Chuson-ji 中尊寺 ainsi que du temple Kinkaku-ji 金閣寺 de Kyôto 京都市. Une particularité de cette laque est son aspect mat d’origine dont la brillance s’accentue progressivement au fil des ans.

Avec Wajima (préfecture d’Ishikawa) et Jôbôji (préfecture d’Iwate), Echizen 越前 (préfecture de Fukui 福井県), Aizu 会津 (préfecture de Fukushima 福島県), jusqu’aux îles Ryûkyû 琉球諸島 à Okinawa 沖縄諸島, une dizaine de laques se propagent dans tout l’archipel.

La technique de la laque, utilisée comme vernis par application de couches successives selon un processus qui peut durer plusieurs mois, est devenue un art à part entière aux spécificités régionales diverses.

De la réalisation ou la restauration de monuments ou d’objets à caractère religieux en passant par la fabrication d’accessoires de table ou d’armures de samouraï, la confection d’objets en laque s’est rapidement orientée vers un marché du luxe réservé à une certaine élite.

On pouvait observer les mariées apporter pour leurs noces un ensemble complexe d’ameublement reflétant le pouvoir et le prestige de la famille.

Avec l’incrustation de nacre et le saupoudrage d’or et d’argent sur les laques, se constitue un mobilier de luxe, de plus en plus imposant, dont la réputation d’excellence et de raffinement finit par dépasser les frontières de l’archipel.

Les laques du Japon, destination l’Europe

Au XVIe siècle, l’Occident prend connaissance de l’existence du Japon avec les récits de Marco Polo.

Pendant l’ère Edo 江戸時代, le shogunat des Tokugawa 徳川 prônant la fermeture du pays, seuls les marchands hollandais, qui se gardent de tout prosélytisme, parviennent à garder un comptoir à Nagasaki 長崎市, sur l’île artificielle de Dejima 出島 où ils sont rigoureusement confinés. Dejima, achevée en 1636, devient, jusqu’à l’ouverture des ports en 1859, le seul point d’échanges entre le Japon et l’occident, les Hollandais conservant un avantage commercial conséquent sur les autres puissances maritimes et marchandes jusqu’au milieu du XIXe siècle.

C’est dans ce contexte que le cardinal Jules Mazarin (1602-1661), diplomate et homme politique français d’origine italienne, d’abord au service de la papauté, puis des rois de France Louis XIII et Louis XIV, envoie en 1658 son ambassadeur à Amsterdam pour l’acquisition d’un coffre en laque rapporté du Japon quinze ans auparavant dans les cales d’un bateau de la Compagnie néerlandaise des Indes orientales.

Les coffres de Mazarin

Ce sont en fait quatre coffres qui quittent le Japon en 1643 à destination de l’Europe, sur la commande du cardinal Mazarin, l’un des hommes les plus fortunés du XVIIe siècle, alors premier ministre et parrain du roi de France Louis XIV (1638-1715) et grand collectionneur d’art de surcroît.

Quatre coffres de très grande qualité, remarquablement confectionnés d’un travail de laque combinant les techniques d’incrustation d’or, d’argent et de nacre.

Les laques d’exportation japonaises, bien que distinctes des produits nationaux, comptaient un petit groupe d’objets d’une qualité exceptionnellement élevée, parmi lesquels ces quatre coffres absolument uniques au monde.

Décorés de scènes du Dit du Genji 源氏物語 (Genji monogatari), une œuvre majeure de la littérature japonaise, et du Soga Monogatari 曽我物語, grand conte de guerre du Japon, ces coffres sont considérés comme étant les plus beaux meubles du monde.

De dimensions particulièrement imposantes, celui acquis par Mazarin à Amsterdam est le plus grand des quatre : 144,5 cm de long sur 63,5 cm de haut et 73 cm de profondeur.

Après la mort du cardinal, le coffre finit par être vendu en Angleterre où il disparaît lors de la deuxième guerre mondiale pour réapparaître en France, début 2013, dans une famille du Val de Loire.

Le « coffre de Mazarin » est alors acheté, le 9 juin 2013, par le Rijksmuseum d’Amsterdam, lors d’une vente aux enchères, pour la somme de 7.311.000 €.

Parmi les trois autres coffres qui ont quitté le Japon en 1643, l’un trône au Victoria and Albert Museum de Londres, un autre au Musée historique d’État de Moscou et le dernier aurait été découpé pour former deux armoires de travail Boulle dont l’une serait également au Victoria and Albert Museum.

Les laques de Marie-Antoinette

A partir de la deuxième moitié du XVIIe siècle, les laques du Japon bénéficient d’une popularité grandissante en Europe.

L’impératrice Marie-Thérèse d’Autriche (1717-1780) se constitue toute une collection d’objets en laque prestigieux qui sera léguée à sa fille, la reine de France Marie-Antoinette (1755-1793) épouse du roi Louis XVI (1754-1793), à la mort de sa mère.

Ces objets rares et précieux, à l’esthétique raffinée, qui constituent la Collection Marie-Antoinette sont devenus propriété de l’État français en 1794 et sont de nos jours conservés entre le Musée du Louvre, le Château de Versailles et le Musée Guimet.

Avec l’ouverture des ports du Japon en 1859, le commerce des laques augmente jusqu’à devenir le principal article d’exportation de l’archipel, suscitant l’admiration à l’exposition de Paris en 1867.

Sources : NHK

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和傘 折り紙 Origami wagasa, 2015
55 origamis wagasa, diamètre 7,5 cm
Conçus avec du papier japonais aux motifs variés, choisis pour mieux faire ressortir la beauté des couleurs.

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Par la magie de l’origami, les fleurs en papier, de multiples couleurs et de formes, peuvent être contemplées à tout moment de l’année.

Ces créations présentées ici ont été réalisées en 2016 par l’artiste Miyuki HARA LAMY.

Elles ont déjà orné la carte de nouvel an 2018 de TOKI et sont exposées, une à une, dans cette vidéo.

Une ode féerique à la nature.

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Créations Miyuki HARA LAMY

crochet mars 2023

couleur rouge écarlate :

bonnet : diamètre 23 cm hauteur 29 cm

écharpe : largeur 11 cm longueur 155 cm

mitaines : largeur 10 cm longueur 27 cm

couleur vert bleu foncé :

bonnet : diamètre 24 cm hauteur 29 cm

mitaines : largeur 10 cm longueur 24 cm

couleur vert bleu foncé et rouge écarlate :

écharpe : largeur 12 cm longueur 256 cm

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